Los Espacios de Alison Damonte: La Experiencia del Color se une a la Emoción

Alison Damonte creció en Iowa, donde los amplios cielos y los largos veranos fomentaron su sentido de la aventura y la imaginación. Creativa desde muy joven, Alison se licenció en la Universidad Washington de San Luis y estudió diseño y arquitectura en Boston y San Francisco.

Un encuentro casual con la diseñadora Martha Angus en una casa piloto llevó a Alison al mundo del diseño de interiores. Alison trabajó con Martha hasta 2012, cuando finalmente fundó su propio estudio. Conocido por su vibrante y atrevido diseño residencial y su selección de obras de arte, el estudio de Alison trabaja con sus clientes en un proceso de diseño que despierta la curiosidad, fomenta los viajes y crea entornos que inspiran.

Damonte se inspira en el arte, los viajes y la iluminación vintage, especialmente en el trabajo de los diseñadores italianos de los años 50, 60 y 70, yuxtaponiendo textura y curva, opacidad y transparencia, juego y función, versatilidad y vitalidad de una forma única y moderna.

¿Cuándo empezó a dedicarse al mundo del diseño? Cuéntenos su historia.

Antes de entrar en el mundo del diseño de interiores en 2009, estudiaba arquitectura. Pronto me di cuenta de que me interesaba más diseñar el interior de un edificio. Por aquel entonces, mientras vivía en San Francisco, conocí a Martha Angus en una exposición que ella comisariaba. Mi prenda estrella de entonces, una chaqueta larga amarilla del color de un rotulador, le llamó la atención y empezamos a hablar. Congeniamos enseguida. Al poco tiempo dejé mi trabajo de marketing y empecé a hacer prácticas para ella.

¿Cómo describiría su estilo personal y cuál es la firma personal que hace que sus proyectos sean únicos?

Mi trabajo suele estar vinculado al uso del color. Aunque intento incorporar tonos neutros, no me sale de forma natural. Me fascina experimentar con combinaciones de colores y cómo pueden combinarse con estampados. Aunque tengo predilección por los colores vivos, llamativos y atrevidos, actualmente estoy explorando combinaciones más sutiles que creen tensión o contraste. En un proyecto reciente, me adentré en tonos más atmosféricos y descubrí la singular interacción entre estos tonos oscuros y la presencia de la luz.

¿En qué se inspira para sus proyectos?

Siempre me inspiran el arte y los viajes. Los museos ofrecen una oportunidad única de contemplar obras de arte de primera mano, lo que puede ampliar la perspectiva sobre materiales, estilos, colores y épocas. Una exposición que me impactó mucho fue la de Monir Shahroudy Farmanfarmaian en el Guggenheim hace varios años. De niña coleccionaba caleidoscopios y, de adulta, me fascinan las cualidades de refracción de la luz y cómo el color y la imagen se reorganizan a través de ellas.

También adoro el espíritu y la música de la música disco de los 70, y no hay nada que grite más disco que una bola de discoteca. La obra de Monir es como una compleja bola de discoteca caleidoscópica, hipnótica e hipnotizadora, en la que pienso a menudo. Llevo estas experiencias conmigo y me refiero a ellas, directa o indirectamente, cuando trabajo en proyectos creativos.

¿Cuáles son las piezas decorativas que más le gusta seleccionar para sus clientes y por qué?

Aprecio mucho la iluminación de época y, en particular, el trabajo de Carlo Nason, Elio Martinelli, Joe Columbo y otros diseñadores italianos que en los años 50, 60 y 70 ampliaron los límites de lo que podía ser una lámpara. Su trabajo dio lugar a piezas escultóricas que se veían realzadas de forma natural por su capacidad para iluminar un espacio. Una de mis piezas favoritas es una lámpara Presidente de Angelo Lelli que tengo en casa.

También soy una ávida coleccionista de objetos diversos, adquiridos en viajes o comprando en San Francisco. Mi casa y mi estudio sirven de galerías rotativas para mostrar mis colecciones de jarrones, vasijas, cuencos, cerámica y textiles. Me atraen las historias que hay detrás de los objetos antiguos y me gusta apoyar a los artistas descubriendo y adquiriendo sus creaciones. Entregar estos objetos a clientes que aprecian su historia y continuar la narración es uno de los aspectos más satisfactorios de mi trabajo, y forma parte integral de mi proceso de diseño. Me esfuerzo por comprar objetos hechos por artistas en pequeñas producciones y evito comprar todo nuevo para crear un espacio con más alma.

¿Cuál es su proyecto de diseño favorito en el que ha trabajado y por qué?

Recientemente tuve la oportunidad de trabajar en un proyecto para un cliente que poseía una casa de 100 años de antigüedad con características arquitectónicas tradicionales. El cliente, que ya nos había encargado dos casas modernas, expresó su amor por el arte moderno y el mobiliario y la iluminación europeos vintage, así como su deseo de diseños rústicos asociados al modernismo californiano de los años 60 y 70. Fue un reto apasionante incorporar estos elementos a una casa antigua. Fue un reto apasionante incorporar estos elementos a una casa antigua con carácter propio.

Trabajar en este proyecto me obligó a salir de mi zona de confort y explorar una paleta y un enfoque diferentes. El ambiente oscuro y tenebroso de la casa, con sus paneles de madera y sus pequeñas ventanas, me obligó a replantearme mi enfoque de la luz y el color. Aunque suelo utilizar colores brillantes, este proyecto me obligó a profundizar en una gama cromática más matizada. En general, fue una experiencia fascinante que me permitió ampliar mis límites creativos y descubrir nuevas posibilidades.

¿En qué proyecto soñaría trabajar?

En un hotel. Creo que mi sensibilidad se adaptaría bien a él. Los hoteles son proyectos mucho más grandes que los residenciales, pero también permiten a los visitantes imaginar una forma diferente de vivir, de convertirse en algo o alguien un poco distinto.

Creo que cuando la gente se aloja en un hotel bien diseñado, puede verse influida a incorporar algunas de esas ideas de diseño a sus propios hogares y estilos de vida. Una diseñadora que me ha inspirado en este sentido es Kelly Wearstler, cuyos hoteles Proper exhiben una muestra de la historia del diseño, con una colección comisariada de objetos bien hechos por artesanos y diseñadores menos conocidos de distintos periodos del diseño. Visitar uno de sus hoteles es una experiencia realmente inspiradora.

¿Qué época le ha inspirado más en términos estéticos?

Actualmente, me fascinan el movimiento de la Secesión de Viena y la escuela Bauhaus. En particular, la producción creativa de Annie Albers, Joseph Hoffman y Charlotte Perriand resuena profundamente en mí. Sin embargo, hace algún tiempo, me topé con la impresionante obra de Elise Djo-Bourgeois, una artista cuyas aportaciones son relativamente desconocidas. Djo-Bourgeois creó exquisitos tejidos para los proyectos de arquitectura de su marido, así como para otros diseñadores, durante el mismo periodo. Es estimulante descubrir el trabajo de personas menos conocidas, ya que se suma al intrigante viaje del diseño.

Me atrae especialmente esta época de la historia del diseño porque es anterior al uso de los ordenadores y a la capacidad de plasmar ideas con precisión. Esto significa que la mano del creador es evidente y que se pone un énfasis significativo en la artesanía, al tiempo que se mantiene una estética moderna y relevante. Creo que este periodo se caracterizó por un fuerte impulso a la experimentación, la curiosidad y la innovación, elementos que pretendo incorporar a mi propio trabajo.