Mosaicos modernos con MNMVenezia

Michela Nardin comenzó su carrera como artista prolífica en Roma y Venecia, dedicándose al arte en diversas formas atraída por técnicas poco convencionales y otorgadas. Tras trasladarse definitivamente a Venecia hace más de 24 años, se enamoró de las antiguas tradiciones de la ciudad, incluida la fabricación de vidrio y mosaicos, de fama mundial: al entrar en contacto con maestros artesanos, perfeccionó sus conocimientos artísticos y empezó a producir auténticas colecciones de mosaicos inspiradas en sus múltiples pasiones e influencias. Desde autorretratos contemporáneos hasta patrones de mosaico clásicos y juegos de colores geométricos, sus obras son un impresionante ejemplo de narración romántica y gusto personal único.

Descubra en nuestra entrevista cómo Michela comenzó su actividad como artesana, qué inspira y da forma a sus colecciones y el intrincado proceso de producción de cada una de sus piezas.

¿Por qué eligió el mosaico como medio para expresar su arte?

Hace cinco años, de forma bastante inesperada, recibí una propuesta de cristalerías y galerías de arte de Venecia y Murano para realizar, por encargo, reproducciones en mosaico de obras de grandes artistas. Vi esta oferta como una oportunidad de iniciar una nueva aventura en el campo artístico, ya que mis experiencias anteriores se centraban en otras disciplinas, en particular la restauración de albañilería (pinturas murales, frescos y estucos), y antes de eso en la Academia de Bellas Artes de Venecia con un máster en grabado. De joven, tuve una breve experiencia en el taller de Olimpia Biasi, una artista de Treviso, mi ciudad natal, donde pasaba las tardes aprendiendo y experimentando con distintas técnicas pictóricas. Allí realicé mis primeros mosaicos con fragmentos de cerámica, utilizando distintos materiales.

Mi trabajo me llevó a viajar mucho por todo el territorio italiano, descubriendo y experimentando de primera mano diferentes estilos artísticos, cada uno ligado a lugares, tradiciones y a un momento cultural e histórico concreto. Creo que con el arte nunca se deja de aprender y, al diversificar mis experiencias, tuve la oportunidad de desarrollar un enfoque ecléctico de las disciplinas que aprendí. De ahí surgió la oportunidad y la posibilidad de resumir lo que había aprendido a lo largo de los años y emplearlo en una nueva forma de expresión artística.

Su taller se encuentra en Venecia. ¿Cómo ha influido esta ciudad única en su trabajo?

En línea con lo que acabo de decir, soy consciente de que cualquier producción artística está profundamente influenciada por el lugar donde se crea. Venecia, para mí, representa el material: vidrio, estuco, madera. Ciertamente, el vidrio no podía quedar al margen de este proceso creativo: único en su elaboración, totalmente artesanal y cambiante, ya que depende de la temperatura y de la habilidad de los maestros sopladores de vidrio que le dan forma. Lo mismo puede decirse de los yesos naturales: Los "pastelloni" venecianos, una antigua técnica veneciana realizada con polvos de cal y mármol que, según la mezcla, puede producir múltiples resultados. Arena, óxidos, polvos, piedras, fuego y saber hacer artesano: ingredientes sencillos y básicos capaces de lograr resultados increíbles. Esto es lo que me gusta de mi trabajo.

Para sus mosaicos utiliza baldosas de vidrio de gran valor. ¿Puede explicarnos los principales pasos que hay detrás de la creación de sus piezas?

Empecé mi viaje artístico personal creando pequeñas colecciones inspiradas en temas que me apasionan. Representan breves exploraciones de lo "femenino", las artes y homenajes a obras de grandes artistas. Historias contadas a través del cristal. Cada pieza que creo tiene su propia historia, es como un encuentro, y muy a menudo las historias y las piezas están interconectadas, al igual que la investigación y el estudio en profundidad de las técnicas, mientras mantengo siempre una mirada curiosa y el deseo de contar la historia utilizando mi propio lenguaje.

¿Qué hace que sus mosaicos sean realmente únicos?

Siempre he intentado adaptar la técnica al tema, rompiendo con los esquemas dictados por las técnicas clásicas que limitan el proceso de composición artística. Por ejemplo, evocar una imagen gráfica o pictórica, un textil o un fresco cortando y disponiendo las teselas de pasta de vidrio de manera que se aproveche el brillo o la opacidad del material, e investigar nuevas dinámicas compositivas simplemente juntando materiales diferentes, como el vidrio y el yeso.

Y en cuanto a las dimensiones, la idea es poder regalarse algo precioso pero pequeño, que no altere permanentemente el interiorismo de una casa sino que lo realce, que sea versátil y fácilmente trasladable, ya que sus dimensiones estándar (20x20 cm) permiten interesantes composiciones modulares.

Su producción consiste en pequeñas colecciones de piezas únicas. ¿En qué se inspira para crearlas?

El tema es el punto de partida de todo. La inspiración se ramifica en diferentes caminos según el proyecto. Empiezo mi investigación examinando el trabajo de artistas que han interpretado el mismo tema antes que yo, los comparo y creo conexiones. Es un encuentro entre maestros del arte.

El deseo es representar las ciudades italianas a través de los elementos artísticos que las identifican, no necesariamente hacer una mera copia de un mosaico. Tomo prestados los frescos de Treviso, las telas de Fortuny de Venecia, etc. He partido de lugares a los que tengo cariño, pero el proyecto es mucho más amplio y pretende trazar un verdadero mapa de los elementos artísticos italianos, para describir los lugares, crear nuevas conexiones y darles movilidad.

Por otro lado, las esculturas de madera nacen de la necesidad de no pervertir el material, sino de dejarlo libre en su propia expresión. Todas las piezas de madera seleccionadas se limpian y pulen simplemente con cera microcristalina. El vidrio se introduce en las fisuras de la madera y adopta la forma del material orgánico (la madera), que sugiere el resultado final. La composición viene dada por cada forma y se consigue a través del color. A veces ocurre que se transforma, como en el caso de la Lámpara de madera, mientras que en otras evoluciona hasta emerger de la profundidad de la fisura, creando efectos fascinantes siempre diferentes.

A menudo es una cuestión de práctica: los mismos elementos pueden ofrecer resultados múltiples y diferentes, lo que cambia es la mirada y la interpretación del observador.