Un long voyage à travers différents arts et lieux a amené Pietro Russo à l'industrie du design, d'une manière unique et avec un style poétique mais tourné vers l'avenir. Sa passion pour le design s'est développée au fil des ans après des études de peinture et de scénographie. Ce chemin sinueux lui a permis de poursuivre une compréhension différente des espaces de vie, en les chargeant de nouvelles significations, riches en allusions avec une vision claire de la pensée du design. Son approche créative est axée sur des processus traditionnels, réalisés avec des procédures de fabrication méticuleuses.

Sa vie personnelle et professionnelle se mêlent, l'amenant de sa terre natale - Ostuni, dans le sud de l'Italie - à Florence, Berlin et Milan où, après huit années passées à travailler avec Piero Lissoni, il a créé son propre studio de design. Rencontrez Pietro Russo et découvrez la vision artistique qui se cache derrière ses objets et ses intérieurs uniques en leur genre.

Au cours de votre carrière, on vous a qualifié d'"Homo Faber du design" pour votre capacité à marier une approche instinctive, quasi imaginative, à une exécution épurée. Parlez-nous d'un de vos projets où cette transformation est la plus évidente.

Je crois que mon approche du design s'est cristallisée de manière particulièrement claire lors de la planification de mon ancien studio à Viale Romagna : c'est à ce moment-là que ces deux réalités, auxquelles je m'intéressais depuis un certain temps, ont harmonieusement fusionné.

À l'époque, j'étais constamment fasciné par l'esthétique des satellites spatiaux et des grands télescopes utilisés pour observer le cosmos. En fait, je trouvais cette esthétique presque involontaire - déterminée par la fonction et la technologie - si fascinante, et elle m'avait tellement séduit que j'ai commencé à concevoir une série de lampes dédiées à l'espace, à l'exploration et aux planètes.

À la même époque, mes pensées ont également été complètement prises par une autre ligne de recherche sur la période coloniale. Cette période a été une grande source d'inspiration, avec toutes ses nuances dans les arts, de la peinture à l'architecture, en passant par la fabrication d'objets du quotidien.

Deux cultures très différentes, peut-être opposées, unies seulement par un désir de conquête, qui se rejoignent et donnent vie à un nouveau style que je capture dans un mélange parfois bizarre mais élégant. C'est ainsi que j'ai combiné l'esthétique aérospatiale et coloniale dans mon atelier, créant un nouveau monde venu d'une autre planète dans un style rétro-futuriste.

Votre travail se divise en deux grandes activités complémentaires : le design d'intérieur et le design d'accessoires de mobilier. Malgré leurs différences, y a-t-il quelque chose dans votre processus de création qui unit ces deux domaines ?

J'ai toujours pensé à des objets strictement liés à l'espace dans lequel ils sont placés, à tel point qu'il m'est difficile de séparer ces deux aspects, qui convergent dans ma vision personnelle. Ma première approche du design d'intérieur répondait à un besoin, celui de concevoir des meubles pour ma maison, et je voulais que ces pièces interagissent avec cet intérieur spécifique. À l'époque, j'étais étudiant et je vivais dans une maison louée. Néanmoins, j'ai toujours rénové et meublé chaque pièce en suivant ce principe d'harmonie et d'union entre l'environnement et le mobilier.

Pietro Russo Design est né en 2010 : votre atelier où vous produisez des objets au style iconique et inimitable aux côtés d'une équipe d'artisans et de designers. Les lampes Lunar représentent un exemple de votre approche stylistique et créative des matériaux. Comment ont-elles été conçues ?

La collection Lunar est née de ma passion pour l'astrophysique et de mon désir de concevoir la réalité également au-delà des limites de la vie quotidienne. La Lune est notre satellite - le plus proche et le plus visible - celui auquel nous sommes le plus liés en raison de son symbolisme et de sa signification... Il suffit de penser à toutes les histoires concernant la Lune. Lorsqu'il est inondé de lumière, l'onyx semble évoquer ce monde magique et galactique, rayonnant d'un éclat semblable à celui avec lequel notre satellite nous séduit chaque nuit et en toute situation. J'ai donc décidé de faire entrer cette magie dans la maison avec une petite lampe lunaire.

Au cours de votre vie, vous avez eu l'occasion de beaucoup voyager, non seulement en Italie - des Pouilles, votre lieu de naissance, à Florence - mais aussi à Berlin et récemment à Milan. Y a-t-il un endroit auquel vous êtes le plus attaché et pourquoi ?

Je suis le type de personne qui embrasse le changement, et chaque changement a coïncidé avec une renaissance, qui à son tour était liée à mon déménagement. Dans chaque ville, j'avais le sentiment d'y être née : Je me suis sentie florentine à Florence, berlinoise à Berlin, et aujourd'hui je me sens milanaise à Milan. Berlin est la ville qui, plus que toute autre, a complètement bouleversé mon axe culturel et ma vision du monde, mais qui, en même temps, m'a fait apprécier encore plus l'Italie et son classicisme, ce qui était initialement la raison de mon départ.

Au fil des ans, votre parcours professionnel a été marqué par plusieurs collaborations. Quelle est celle dont vous vous souvenez le mieux et pourquoi ?

Les collaborations avec des entreprises sont toujours un grand défi et une opportunité de croissance. Je suis particulièrement passionné par la genèse de Libelle, la bibliothèque commandée par Baxter quelques semaines avant le Salone del Mobile. J'ai été vraiment ému la première fois que je l'ai vue.

Enracinée dans la culture japonaise, la philosophie du Wabi-Sabi repose sur l'acceptation du caractère éphémère et de l'imperfection de l'existence. Comment ce concept a-t-il influencé votre travail ?

Les mots Wabi et Sabi véhiculent deux visions que la culture occidentale a fusionnées et, pour les comprendre, il faut appréhender un concept lié davantage à notre côté irrationnel plutôt que rationnel. J'ai toujours été captivé par ces deux concepts, même avant de découvrir cet aspect de la culture japonaise : c'est presque comme si j'avais une propension innée. De même, l'artisanat embrasse déjà ce processus lié à une imperfection parfaite ancrée dans l'éphémère.

Dans un domaine qui doit marier la tradition avec l'innovation et les processus technologiques, comment créez-vous une continuité dans le monde de l'artisanat ?

Aujourd'hui, il est de plus en plus nécessaire de relier la production à la technologie afin d'exécuter certaines fonctions. Malheureusement, les processus technologiques ont supprimé une grande partie de la valeur ajoutée dérivée des compétences manuelles du savoir-faire artisanal, donnant ainsi au produit fini une apparence parfaite et froide. Au contraire, le rôle de l'artisanat doit être, comme par le passé, celui d'apporter une esthétique chaleureuse et une touche unique à la pièce - pràxis et téchnē, art et savoir-faire - tandis que la technologie ne doit que soutenir ce processus, afin qu'il devienne toujours plus