Die Räume von Alison Damonte: Farbexpertise Trifft auf Emotion

Alison Damonte wuchs in Iowa auf, wo der weite Himmel und die langen Sommer ihren Sinn für Abenteuer und Fantasie förderten. Von klein auf kreativ, machte Alison Damonte ihren Abschluss an der Washington University in St. Louis und studierte anschließend Design und Architektur in Boston und San Francisco.

Eine zufällige Begegnung mit der Designerin Martha Angus in einem Musterhaus führte Alison in die Welt des Interior Designs. Alison arbeitete bis 2012 mit Martha zusammen und gründete schließlich ihr eigenes Studio. Alison ist bekannt für ihr lebendiges, kühnes Wohndesign und die Kuratierung von Kunst. In ihrem Studio arbeitet sie mit ihren Kunden an einem Designprozess, der Neugierde weckt, zu Reisen anregt und eine Umgebung schafft, die inspiriert.

Damonte lässt sich von Kunst, Reisen und Vintage-Beleuchtung inspirieren, insbesondere von den Arbeiten italienischer Designer aus den 50er, 60er und 70er Jahren, und stellt Textur und Kurve, Opazität und Transparenz, Spiel und Funktion, Vielseitigkeit und Lebendigkeit auf einzigartige, moderne Weise einander gegenüber.

Wann haben Sie sich zum ersten Mal mit der Welt des Designs beschäftigt? Erzählen Sie uns Ihre Geschichte.

Bevor ich 2009 in die Welt der Innenarchitektur einstieg, habe ich Architektur studiert. Bald merkte ich, dass ich mich mehr für die Gestaltung des Inneren eines Gebäudes interessierte. Als ich damals in San Francisco lebte, lernte ich Martha Angus bei einem von ihr kuratierten Musterhaus kennen. Mein damaliges Markenzeichen, eine lange gelbe Jacke in der Farbe eines gelben Textmarkers, fiel ihr ins Auge, und wir kamen ins Gespräch. Wir haben uns sofort gut verstanden. Innerhalb kürzester Zeit kündigte ich meinen Marketing-Job und begann, ein Praktikum bei ihr zu machen.

Wie würden Sie Ihren persönlichen Stil beschreiben und was ist die persönliche Handschrift, die Ihre Projekte einzigartig macht?

Meine Arbeit ist oft mit dem Einsatz von Farben verbunden. Obwohl ich versuche, neutrale Farben zu verwenden, ist das keine Selbstverständlichkeit für mich. Es fasziniert mich, mit Farbkombinationen zu experimentieren und zu sehen, wie sie mit Mustern überlagert werden können. Während ich eine Vorliebe für lebhafte, auffällige, kräftige Farben habe, erforsche ich derzeit subtilere Kombinationen, die Spannung oder Kontrast erzeugen. Bei einem kürzlich durchgeführten Projekt habe ich mich mit stimmungsvolleren, atmosphärischen Tönen beschäftigt und das einzigartige Zusammenspiel zwischen diesen dunkleren Farbtönen und der Präsenz von Licht entdeckt.

Woher nehmen Sie die Inspiration für Ihre Projekte?

Ich lasse mich immer wieder von Kunst und Reisen inspirieren. Museen bieten die einmalige Gelegenheit, Kunstwerke aus erster Hand zu sehen, was den Blick auf Materialien, Stile, Farben und Zeit erweitern kann. Eine Ausstellung, die einen bleibenden Eindruck bei mir hinterlassen hat, war die von Monir Shahroudy Farmanfarmaian im Guggenheim vor einigen Jahren. Als Kind sammelte ich Kaleidoskope, und als Erwachsener faszinieren mich die Brechungseigenschaften des Lichts und die Art und Weise, wie Farbe und Bild durch sie neu organisiert werden.

Außerdem liebe ich den Geist und die Musik der 70er-Jahre-Disco, und nichts schreit mehr nach Disco als eine Discokugel. Monirs Kunstwerk ist wie eine komplexe, kaleidoskopische Discokugel, mit einer hypnotisierenden und hypnotischen Qualität, an die ich oft denken muss. Ich trage diese Erfahrungen mit mir und beziehe mich auf sie, sei es direkt oder indirekt, wenn ich an kreativen Projekten arbeite.

Welche dekorativen Stücke wählen Sie für Ihre Kunden aus und warum?

Ich schätze alte Beleuchtungskörper sehr, insbesondere die Arbeiten von Carlo Nason, Elio Martinelli, Joe Columbo und anderen italienischen Designern, die in den 50er, 60er und 70er Jahren die Grenzen dessen, was eine Leuchte sein kann, ausloteten. Das Ergebnis ihrer Arbeit waren skulpturale Stücke, die durch ihre Fähigkeit, einen Raum zu beleuchten, natürlich aufgewertet wurden. Eines meiner Lieblingsstücke ist eine Angelo Lelli Presidente-Leuchte, die ich in meinem Haus habe.

Ich bin auch ein eifriger Sammler von verschiedenen Objekten, die ich auf Reisen oder beim Einkaufen in San Francisco erworben habe. Mein Haus und mein Atelier dienen als wechselnde Galerien, in denen ich meine Sammlungen von Vasen, Gefäßen, Schalen, Keramiken und Textilien ausstelle. Ich interessiere mich für die Geschichten, die sich hinter alten Gegenständen verbergen, und unterstütze gerne Künstler, indem ich ihre Kreationen entdecke und besitze. Die Weitergabe dieser Objekte an Kunden, die ihre Geschichte zu schätzen wissen, und die Weiterführung der Geschichte ist einer der befriedigendsten Aspekte meiner Arbeit und ein wesentlicher Bestandteil meines Designprozesses. Ich bemühe mich, Gegenstände zu kaufen, die von Künstlern in kleinen Produktionen hergestellt werden, und vermeide es, alles neu zu kaufen, um einen Raum mit mehr Seele zu schaffen.

Welches ist Ihr Lieblingsprojekt, an dem Sie gearbeitet haben, und warum?

Ich hatte kürzlich die Gelegenheit, an einem Projekt für einen Kunden zu arbeiten, der ein 100 Jahre altes Haus mit traditionellen architektonischen Merkmalen besaß. Der Kunde, der uns bereits mit zwei modernen Häusern beauftragt hatte, liebte moderne Kunst, alte europäische Möbel und Leuchten und wünschte sich ein rustikales Design, das mit dem kalifornischen Modernismus der 60er und 70er Jahre verbunden ist. Es war eine spannende Herausforderung, diese Elemente in ein älteres Haus mit seinem ganz eigenen Charakter einzubauen.

Die Arbeit an diesem Projekt verlangte von mir, aus meiner Komfortzone herauszutreten und eine andere Farbpalette und Herangehensweise zu erkunden. Die dunklere, stimmungsvolle Atmosphäre des Hauses mit seiner Holzvertäfelung und den kleinen Fenstern forderte mich heraus, meinen Umgang mit Licht und Farbe zu überdenken. Während ich normalerweise helle Farben bevorzuge, zwang mich dieses Projekt dazu, mich mit einem nuancierteren Farbschema auseinanderzusetzen. Insgesamt war es eine faszinierende Erfahrung, die es mir ermöglichte, meine kreativen Grenzen zu erweitern und neue Möglichkeiten zu entdecken.

Was wäre Ihr Traumprojekt, an dem Sie arbeiten würden?

Ein Hotel. Ich denke, meine Sensibilität wäre dafür gut geeignet. Hotels sind größere Projekte als Wohnhäuser, aber sie geben den Besuchern auch die Möglichkeit, sich eine andere Art des Lebens vorzustellen - etwas oder jemand ganz anderes zu werden.

Ich glaube, dass Menschen, die in einem gut gestalteten Hotel übernachten, dazu angeregt werden können, einige dieser Designideen in ihr eigenes Zuhause und ihren eigenen Lebensstil zu übernehmen. Eine Designerin, die mich in dieser Hinsicht inspiriert hat, ist Kelly Wearstler, die in ihren Proper Hotels eine Ausstellung zur Designgeschichte präsentiert, die eine kuratierte Sammlung gut gemachter Objekte von weniger bekannten Kunsthandwerkern und Designern aus verschiedenen Designperioden zeigt. Ein Besuch in einem ihrer Hotels ist ein wirklich inspirierendes Erlebnis.

Welche Epoche hat Sie in ästhetischer Hinsicht am meisten inspiriert?

Derzeit faszinieren mich die Wiener Secession und die Bauhaus-Schule sehr. Vor allem das Schaffen von Annie Albers, Joseph Hoffman und Charlotte Perriand hat mich tief beeindruckt. Vor einiger Zeit stieß ich jedoch auf das beeindruckende Werk von Elise Djo-Bourgeois, einer Künstlerin, deren Beiträge relativ unbekannt sind. Elise Djo-Bourgeois schuf im gleichen Zeitraum exquisite Textilien für die Architekturprojekte ihres Mannes und für andere Designer. Es ist aufregend, die Arbeiten weniger bekannter Persönlichkeiten zu entdecken, da sie die faszinierende Reise des Designs bereichern.

Diese Ära der Designgeschichte hat es mir besonders angetan, da sie vor dem Einsatz von Computern und der Möglichkeit, Ideen präzise darzustellen, liegt. Das bedeutet, dass die Hand des Schöpfers deutlich zu sehen ist, und es wird viel Wert auf Handwerkskunst gelegt, während gleichzeitig eine moderne und relevante Ästhetik erhalten bleibt. Ich glaube, dass diese Periode von einem starken Drang zum Experimentieren, von Neugier und Innovation geprägt war - Elemente, die ich in meine eigene Arbeit einfließen lassen möchte.