Art du Fer par Stefano Robiglio

La complexité de la nature et la psyché humaine sont les principales sources d'inspiration des pièces artisanales de Stefano Robiglio. Stefano a développé une superbe technique et une esthétique personnelle faite de contrastes - tantôt lisses et propres, tantôt rugueux et à multiples facettes - après un long parcours d'autodidaxie pour apprendre ce métier. Couper, sculpter, souder, forger et polir ne sont que quelques-unes des actions qui donnent naissance à des sculptures et à des dessins uniques, aux fortes connotations artistiques, manifestes de l'introspection de l'artisan.

Les détails matériels et les finitions brutes des œuvres de Robiglio rendent chaque artefact réel et totalement artisanal, définissant un type de beauté sans filtre, interprète d'un artisanat véritablement manuel. Voici comment un matériau que l'on croit froid révèle son âme complexe : lorsqu'il est chauffé, le métal prend vie et devient souple et malléable avant de durcir à nouveau pour capturer l'esprit de l'artiste. En savoir plus sur le processus créatif des œuvres de Stefano Robiglio.

La forge a toujours été votre passion, elle s'est développée au fil des ans et est devenue votre métier. Racontez-nous votre parcours jusqu'à présent : comment cette activité est-elle devenue votre vocation ?

Je commencerais par souligner le fait que je suis entièrement autodidacte, nourri par une passion innée de vouloir "construire des choses". Le bois et la pierre ne répondaient pas entièrement à mes besoins ; en revanche, avec l'acier, c'était de la magie instantanée. Après le lycée, j'ai passé une dizaine d'années à travailler dans l'entreprise familiale d'équipements de réfrigération et, outre les habituels malentendus entre parents et enfants, j'ai eu l'occasion de m'exercer intensivement au soudage du fer, de l'acier inoxydable et du cuivre. À partir de là, j'ai progressé à petits pas pendant mon temps libre, au cours duquel j'ai commencé à créer mes propres tables, bibliothèques, petites sculptures et accessoires. L'approche cohérente et les possibilités infinies offertes par le travail de ce métal ont contribué à une progression rapide.

C'est ainsi qu'il y a six ans, j'ai décidé de transformer ma passion en entreprise et, pièce par pièce, j'ai commencé à équiper mon atelier et à créer mes propres modèles. Au début, je n'ai pas reçu beaucoup d'intérêt de la part du "public" et j'ai donc décidé de concentrer une partie de mon énergie sur des travaux plus traditionnels tels que des portails, des rampes et des escaliers, tout en y apportant ma touche personnelle. Cela m'a permis de financer mes visions plus créatives en matière de mobilier design et de sculptures, même s'il est vrai que j'ai découvert la partie artistique en cours de route, plus pour me prouver que j'étais capable de réaliser certains types de produits que par véritable vocation. Cependant, plus je me plongeais dans la sculpture, plus je parvenais à communiquer des sentiments et des émotions qui n'auraient jamais émergé autrement, en m'inspirant toujours de la beauté de la nature et de la complexité de l'âme humaine.

Chacune de vos sculptures a une personnalité distincte, transmet un message particulier et possède une âme esthétique unique. Quelle est la sculpture qui représente le mieux votre travail sous toutes ses facettes ?

Il n'y a pas de réponse facile à cette question, car toutes mes sculptures conserveront toujours une partie de moi que je ne retrouverai jamais. Certes, chacune a été conçue à un moment donné et dans un but différent, mais je pourrais probablement dire qu'à l'heure actuelle, "Dafne" est celle avec laquelle je suis totalement en phase et qui résume et met le plus en valeur l'essence de mon travail. Il s'agit de ma dernière pièce et de la première à être entièrement réalisée en acier inoxydable plutôt qu'en fer : ce choix est principalement motivé par la possibilité de l'exposer même dans des environnements extérieurs sans risque de corrosion. D'un point de vue plus émotionnel, le concept de l'acier inoxydable évoque l'idée de quelque chose d'éternel et d'infini par nature. Ce qui frappe d'emblée, c'est l'aspect esthétique de ses lignes gracieuses et épurées et, d'une certaine manière, la surface brillante est synonyme de modernité et d'uniformité.

La sculpture se compose de plus de quatre mille carreaux, chacun mesurant environ 2 x 2 cm : ils sont découpés dans des tôles, façonnés à l'aide de marteaux et de pinces, et enfin soudés par un lien indissoluble, tout comme les molécules qui s'agrègent pièce par pièce pour former des structures plus complexes. J'ai utilisé cette technique dans d'autres œuvres car je trouve qu'elle rend parfaitement les infinies et diverses facettes de l'âme humaine : d'un côté, la métamorphose en plante (nécessaire pour se sauver) met en évidence l'extraordinaire beauté, tandis que de l'autre, l'avidité et la soif de possession (dissimulées sous la surface brillante). Le thème inspiré de la mythologie grecque est, à mon avis, très actuel, et avec cette sculpture, je veux révéler le concept solennel selon lequel la beauté doit être admirée et respectée, et non possédée, qu'il s'agisse de la nature ou des êtres humains.

Le travail du métal est un art complexe et la fabrication d'un objet passe par de multiples étapes. Racontez-nous comment est née la composition d'une de vos sculptures, de la conception à la production finale.

De la vision initiale dans mon esprit au produit final, il y a une évolution et une transformation continues. Je n'ai pas de modèle défini à suivre, ni de dévouement aveugle à la poursuite de la perfection ; au contraire, je trouve que les imperfections révèlent la vraie beauté. C'est pourquoi j'adopte une approche totalement "fluide", où le travail évolue et se transforme en fonction des besoins et du moment : la transformation est toujours la clé et la seule certitude. Le profil esthétique et la recherche continue sont mes lignes directrices constantes. Je ne me sens jamais liée à un seul style, mais j'aime expérimenter différentes techniques et différentes formes sculpturales. Après tout, je crois que l'émotion passe avant la technique.

Certaines œuvres naissent d'un seul coup, de la vision au dessin à la craie sur la table en fer de l'atelier, puis directement à la forge. D'autres, en revanche, mettent plusieurs mois à aboutir, passant par des phases de ferveur et des moments de remise en question, pour y revenir quelques semaines plus tard avec de nouvelles idées et un nouvel enthousiasme. Couper, façonner, souder, forger, polir sont des gestes quotidiens mais ils prennent à chaque fois des formes et des significations différentes, parfois même inattendues, car la beauté naît de la diversité : c'est ce qui m'incite à créer de nouvelles sculptures. Créer quelque chose est toujours éprouvant et, malheureusement, il est assez difficile de faire comprendre aux gens qu'il y a des échecs derrière le résultat final.

L'art et l'artisanat sont deux éléments complémentaires, tant dans vos sculptures que dans vos meubles design. Expliquez-nous comment ils s'articulent et quelle est la philosophie qui sous-tend vos inspirations.

Je crois fermement que l'art et l'artisanat s'interpénètrent de manière viscérale. Pour donner un exemple, il m'arrive de commencer à créer une sculpture et de me rendre compte par la suite qu'elle serait parfaite en tant que meuble : l'art ne se limite pas à quelque chose de beau destiné à être observé ou à faire réfléchir, mais il remplit concrètement une fonction dans la vie de tous les jours. L'inspiration qui unit toutes mes créations est la nature sous toutes ses formes : J'aime les détails texturaux et les finitions brutes qui donnent l'impression que la pièce est réelle et totalement artisanale, définissant ainsi un type de beauté sans artifice ni filtre. Qu'il s'agisse d'art ou d'artisanat, l'essence du processus de travail est l'exécution exclusivement manuelle, sans recours à des machines industrielles ou à des logiciels. L'artisan est un artiste et l'art naît de l'artisanat, une forme évoluée de l'art : c'est un concept que les galeristes et de nombreux artistes ne partagent pas, mais pour exprimer au mieux ses idées, il faut d'abord savoir faire de l'artisanat.

Le fer est le métal le plus dur, un matériau qui prend vie dans la main de l'artiste et de l'artisan. Quelles sont les caractéristiques que vous aimez le plus dans ce matériau et quelles sont celles qui rendent le processus de sculpture plus complexe ?

L'aspect le plus intéressant de l'acier est sans conteste la possibilité d'ajouter et de retirer de la matière presque à tout moment. En adoptant une approche mixte des techniques traditionnelles du fer forgé avec la forge, le marteau, l'enclume, le maillet, et d'autres techniques plus modernes impliquant la soudure à l'arc et la découpe au plasma, je suis en mesure de travailler sans suivre de modèles fixes et de réaliser d'innombrables variations tout au long du processus. Ce matériau, considéré comme humble et froid, recèle en réalité une âme riche en nuances et en contrastes. Lorsqu'il est chauffé, le métal s'anime et se laisse façonner quelques instants, puis, lorsqu'il refroidit, il se durcit, emprisonnant pour toujours l'essence de l'œuvre. Bien sûr, il n'y a pas que des qualités positives : le poids, la grande énergie et la dureté de l'acier rendent le processus ardu et parfois éprouvant. Donner une qualité sculpturale aux formes est d'autant plus compliqué qu'il n'est pas possible de toucher le métal brûlant à mains nues, d'où la nécessité d'utiliser des outils pour obtenir le design souhaité.