Moderne Mosaike mit MNMVenezia

Michela Nardin begann ihre Karriere als Künstlerin in Rom und Venedig, wo sie sich mit verschiedenen Formen der Kunst beschäftigte und sich von unkonventionellen und geschenkten Techniken angezogen fühlte. Nachdem sie vor über 24 Jahren dauerhaft nach Venedig gezogen war, verliebte sie sich in die antiken Traditionen der Stadt, einschließlich der weltberühmten Glas- und Mosaikherstellung: Durch den Kontakt mit Handwerksmeistern perfektionierte sie ihre künstlerischen Kenntnisse und begann mit der Herstellung authentischer Mosaikkollektionen, die von ihren zahlreichen Leidenschaften und Einflüssen inspiriert waren. Von zeitgenössischen Selbstporträts bis hin zu klassischen Fliesenmustern und geometrischen Farbspielen sind ihre Werke ein beeindruckendes Beispiel für romantisches Geschichtenerzählen und einen einzigartigen persönlichen Geschmack.

Erfahren Sie in unserem Interview, wie Michela ihre Tätigkeit als Kunsthandwerkerin begann, was ihre Kollektionen inspiriert und prägt und wie der komplizierte Produktionsprozess für jedes ihrer Stücke aussieht.

Warum haben Sie das Mosaik als Ausdrucksmittel für Ihre Kunst gewählt?

Vor fünf Jahren erhielt ich völlig unerwartet von Glashäusern und Kunstgalerien in Venedig und Murano das Angebot, auf Bestellung Mosaikreproduktionen von Werken großer Künstler anzufertigen. Ich sah dieses Angebot als Gelegenheit, ein neues Abenteuer im künstlerischen Bereich zu beginnen, da ich zuvor Erfahrungen in anderen Disziplinen gesammelt hatte, vor allem in der Restaurierung von Mauerwerk (Wandmalereien, Fresken und Stuck), und davor an der Akademie der Schönen Künste in Venedig einen Master in Druckgrafik gemacht hatte. Als junge Frau hatte ich eine kurze Erfahrung im Atelier von Olimpia Biasi, einer Künstlerin aus meiner Heimatstadt Treviso, wo ich die Nachmittage damit verbrachte, verschiedene Maltechniken zu erlernen und auszuprobieren. Dort fertigte ich auch meine ersten Mosaike aus Tonscherben an, wobei ich verschiedene Materialien verwendete.

Mein Beruf hat mich dazu gebracht, viel durch Italien zu reisen und dabei verschiedene künstlerische Stile zu entdecken und aus erster Hand zu erleben, die jeweils mit Orten, Traditionen und einem bestimmten kulturellen und historischen Moment verbunden sind. Ich glaube, dass man in der Kunst nie wirklich aufhört zu lernen, und indem ich meine Erfahrungen verzweigte, bekam ich die Chance, einen eklektischen Ansatz für die Disziplinen zu entwickeln, die ich gelernt hatte. Daraus ergaben sich die Gelegenheit und die Möglichkeit, das, was ich im Laufe der Jahre gelernt hatte, zusammenzufassen und in einer neuen Form des künstlerischen Ausdrucks anzuwenden.

Ihr Atelier befindet sich in Venedig. Wie hat diese einzigartige Stadt Ihre Arbeit beeinflusst?

Wie ich bereits sagte, bin ich mir bewusst, dass jede künstlerische Produktion von dem Ort, an dem sie entsteht, stark beeinflusst wird. Venedig steht für mich für Material: Glas, Stuck, Holz. Natürlich darf Glas in diesem kreativen Prozess nicht fehlen: Es ist einzigartig in seiner Herstellung, vollständig handgefertigt und wandelbar, da es von der Temperatur und dem Können der Glasbläsermeister abhängt, die es formen. Das Gleiche gilt für natürlichen Gips: Die venezianischen "Pastelloni", eine alte venezianische Technik, die aus Kalk- und Marmorpulver hergestellt wird und je nach Mischung verschiedene Ergebnisse erzielen kann. Sand, Oxide, Pulver, Steine, Feuer und handwerkliches Können: einfache Grundzutaten, mit denen sich unglaubliche Ergebnisse erzielen lassen. Das ist es, was ich an meinem Beruf mag.

Sie verwenden wertvolle Glasfliesen für Ihre Mosaike. Können Sie uns die wichtigsten Schritte bei der Herstellung Ihrer Werke erklären?

Ich habe meine persönliche künstlerische Reise damit begonnen, kleine Kollektionen zu schaffen, die von Themen inspiriert sind, die mir am Herzen liegen. Sie stellen kurze Erkundungen des "Weiblichen", der Kunst und Hommagen an Werke großer Künstler dar. Geschichten, die durch das Glas erzählt werden. Jedes Stück, das ich kreiere, hat seine eigene Geschichte, es ist wie eine Begegnung, und sehr oft sind Geschichten und Stücke miteinander verbunden, ebenso wie die Recherche und das eingehende Studium von Techniken, während ich immer einen neugierigen Blick und den Wunsch behalte, die Geschichte mit meiner eigenen Sprache zu erzählen.

Was macht Ihre Mosaike wirklich einzigartig?

Ich habe immer versucht, die Technik auf das Thema abzustimmen und mich von den Mustern zu lösen, die von den klassischen Techniken diktiert werden und den künstlerischen Kompositionsprozess einschränken. Ich versuche zum Beispiel, ein grafisches oder malerisches Bild, eine Textilie oder ein Fresko hervorzurufen, indem ich die Kacheln aus Glaspaste so schneide und anordne, dass das Glitzern oder die Undurchsichtigkeit des Materials zur Geltung kommt, oder indem ich neue kompositorische Dynamiken erforsche, indem ich einfach verschiedene Materialien wie Glas und Gips zusammensetze.

Und bei den Dimensionen geht es darum, sich etwas Kostbares, aber Kleines zu gönnen, das die Inneneinrichtung eines Hauses nicht dauerhaft verändert, sondern aufwertet, das vielseitig und leicht beweglich ist, da seine Standardmaße (20x20 cm) interessante modulare Kompositionen ermöglichen.

Ihre Produktion besteht aus kleinen Kollektionen von Einzelstücken. Woher nehmen Sie die Inspiration für diese Stücke?

Das Thema ist der Ausgangspunkt von allem. Die Inspiration verzweigt sich je nach Projekt in verschiedene Richtungen. Ich beginne meine Recherchen, indem ich mir die Arbeiten von Künstlern ansehe, die das gleiche Thema vor mir interpretiert haben, ich vergleiche sie und stelle Verbindungen her. Es ist eine Begegnung zwischen den Meistern der Kunst.

Ich möchte italienische Städte durch die künstlerischen Elemente darstellen, die sie kennzeichnen, und nicht unbedingt eine bloße Kopie eines Mosaiks anfertigen. Ich leihe mir die Fresken aus Treviso, die Fortuny-Stoffe aus Venedig, und so weiter. Ich habe mit Orten begonnen, die ich mag, aber das Projekt ist viel breiter angelegt und zielt darauf ab, eine echte Landkarte italienischer Kunstelemente zu entwerfen, um die Orte zu beschreiben, neue Verbindungen zu schaffen und sie mobil zu machen.

Die Holzskulpturen hingegen sind aus dem Bedürfnis heraus entstanden, das Material nicht zu pervertieren, sondern es in seinem eigenen Ausdruck frei zu lassen. Alle ausgewählten Holzstücke werden lediglich gereinigt und mit mikrokristallinem Wachs poliert. Das Glas wird in die Risse des Holzes eingesetzt und nimmt die Form des organischen Materials (des Holzes) an, was das Endergebnis vorgibt. Die Komposition wird durch jede Form bestimmt und durch die Farbe erreicht. Manchmal verwandelt sie sich, wie im Fall der Holzlampe, während sie in anderen Fällen aus der Tiefe der Risse hervortritt und immer wieder andere faszinierende Effekte erzeugt.

Es ist oft eine Frage der Übung: dieselben Elemente können mehrere und unterschiedliche Ergebnisse liefern, was sich ändert, ist der Blick und die Interpretation des Betrachters.