Fornice Objects présente Torri Spontanee

Chiara Ravaioli est une designer spatiale basée à Ravenne. Jeune et innovante, son approche du design tourne autour de la technologie et de l'inventivité, créant un lien indéfectible entre les machines et les mains humaines. Fornice Objects est le projet né de son talent visionnaire : une collection de pièces de design excentriques réalisées à l'aide des derniers logiciels de modélisation, appliqués aux techniques d'impression 3D.

Ses recherches méticuleuses sur les particularités des matériaux sont le point de départ de son processus créatif qui aboutit à un design très personnel. Torri Spontanee - nom italien pour Tours Spontanées - est une ode aux paysages italiens, une rencontre entre les extrêmes de la vallée du Pô, de Milan à Ravenne et retour en regardant par la fenêtre les châteaux d'eau qui semblent surgir spontanément le long du trajet. Ce projet s'inspire du design d'Ettore Sottsasset est réalisé avec une approche créative qui abandonne les techniques artisanales pour embrasser une nouvelle échelle du machinisme, dans la réalisation de différentes formes et textures qui se succèdent sans interruption.

Votre dernière collection, "Torri Spontanee", est née de la rencontre de suggestions géographiques et d'inspirations créatives. Parlez-nous de ce projet, de sa signification et de ses références artistiques distinctives.

"Torri Spontanee" est née d'une collaboration avec la styliste milanaise Paola Pastorini. L'inspiration est venue de notre rencontre entre les deux extrêmes de la vallée du Pô, où se trouve mon atelier, qui s'étend de Milan à Ravenne et vice versa, comme si l'on regardait par la fenêtre les châteaux d'eau qui semblent surgir spontanément le long du trajet. Le but est de s'éloigner des techniques artisanales et d'adopter une nouvelle gamme d'imprimantes tridimensionnelles fabriquées à la machine, produisant des formes et des textures différentes qui se succèdent sans interruption dans le même fil, permettant ainsi au processus créatif de se dérouler. La référence à Sottsass est explicite : tout comme il a exploré la séquence d'une ligne qui devient finalement une courbe - un motif qui explose en surfaces colorées et rayées - nous jouons de la même manière avec nos totems et les désassemblons. Chaque totem est composé de plusieurs pièces qui peuvent être utilisées de deux façons : ensemble (l'une à l'intérieur de l'autre reliée par deux mécanismes) ou séparément. L'exclusivité réside dans la simplicité des formes et la vitalité des couleurs, dans son humour naïf et drôle, qui insuffle chaleur et convivialité à nos intérieurs.

Plus par les Objets Fornice

Sensationnel et audacieux, Fornice Objects représente votre vision du design. Racontez-nous comment ce projet est né, comment il s'est développé au fil du temps, et l'origine curieuse de son nom.

Dans le lexique italien de l'architecture, le terme "fornice" [fòr-ni-ce] définit la lumière qui passe par les grandes ouvertures arquées des bâtiments et monuments anciens. J'ai toujours été intrigué par l'effet de la lumière sur les formes ; sans surprise, le premier objet que j'ai créé était une lampe, la lampe de table Issey - en hommage au designer japonais du même nom - dont les plis se croisent avec la transparence de la lumière.

Toutes vos créations réalisent une synthèse parfaite entre technologie et singularité artistique, qui découle de l'utilisation de matériaux uniques traités par impression 3D. Comment choisissez-vous ces matériaux et comment sont-ils façonnés pour donner vie à vos inspirations ?

Plutôt que de voir les productions numériques et analogiques s'opposer, je les considère comme une seule et même chose, prenant forme en même temps. Le matériau à disposition inspire les formes qui vont prendre vie, mais souvent c'est la forme qui appelle le matériau, comme dans le cas du vase India, une pièce dont la forme est inspirée par les puits à escalier que j'ai visités en Inde. Comme je l'imaginais en rouge, j'ai utilisé un polymère biodégradable dont la teinte rouge est obtenue par l'ajout de pigments naturels provenant de déchets agroalimentaires (pelures de tomates) et qui est très texturé - une technique couramment utilisée en Inde pour les textiles.

Tout au long de votre parcours professionnel et personnel, vous avez eu l'occasion d'explorer un large éventail de panoramas de design différents de celui de l'Italie. Que représente pour vous le Made in Italy et qu'est-ce qui le différencie du paysage international ?

La marque Made in Italy est reconnue au niveau international comme étant synonyme d'histoire, de qualité et d'élégance. Je peux dire avec fierté que je fais partie de cette équipe. L'élégance et le souci du détail sont les piliers du style italien. Ces dernières années, la tendance dominante à l'"artisanat" indique un retour à l'artisanat, à la réalité locale et à l'aspect fait main, même pour la production en petite série. Notre vénération du beau et du bien fait est l'énorme fond culturel qui nous distingue - c'est notre tradition profondément enracinée. En tant que jeune designer, je reconnais que le chemin pour atteindre une connaissance approfondie de nos maîtres est long, surtout lorsqu'il s'agit de travailler dans différentes disciplines des arts appliqués. Le dialogue ouvert et la comparaison sont possibles pour grandir et s'améliorer, en apprenant de nos maîtres artisans et en appliquant ces connaissances à nos disciplines et au-delà.

En tant que jeune designer, vous représentez l'avenir prometteur de ce secteur en constante évolution. Quelle est, selon vous, l'orientation future du design italien ?

Il est essentiel de concevoir des projets durables : utiliser des matériaux qui ont déjà eu une vie antérieure et une dimension matérielle, les réinterpréter, ou du moins être conscient de leur impact environnemental, de la production initiale à l'élimination des déchets. Je crois également à l'art multicouche, qui consiste à superposer divers savoirs anciens et qui, grâce à de jeunes talents inventifs, peut prendre un style contemporain tout en respectant la tradition. Personnellement, je gravite autour du design émotionnel, de la relation qui s'établit entre un objet et ceux qui l'achètent et qui, ce faisant, choisissent de l'intégrer dans leur quotidien - à l'instar des Tours Spontanées qui me tiennent compagnie chaque jour.