Eine lange Reise durch verschiedene Künste und Orte hat Pietro Russo auf einzigartige Weise und mit einem poetischen und zugleich zukunftsorientierten Stil in die Designbranche gebracht. Seine Leidenschaft für Design hat sich im Laufe der Jahre nach seinem Studium der Malerei und Szenografie entwickelt. Dieser verschlungene Weg ermöglichte es ihm, ein anderes Verständnis von Lebensräumen zu verfolgen und sie mit neuen Bedeutungen aufzuladen, reich an Anspielungen mit einer klaren Vision von Designdenken. Sein kreativer Ansatz konzentriert sich auf traditionelle Prozesse, die mit akribischen Herstellungsverfahren ausgeführt werden.

Sein persönlicher und beruflicher Werdegang führt ihn von seiner Heimat - Ostuni in Süditalien - nach Florenz, Berlin und Mailand, wo er nach acht Jahren Zusammenarbeit mit Piero Lissoni sein eigenes Designstudio gründet. Treffen Sie Pietro Russo und erfahren Sie mehr über die künstlerische Vision hinter seinen einzigartigen Objekten und Inneneinrichtungen.

Im Laufe Ihrer Karriere hat man Sie als "Homo Faber des Designs" bezeichnet, weil Sie einen instinktiven, quasi phantasievollen Ansatz mit einer schlanken und sauberen Ausführung verbinden können. Erzählen Sie uns von einem Ihrer Projekte, bei dem diese Verwandlung am deutlichsten zu sehen ist.

Ich glaube, dass sich mein gestalterischer Ansatz bei der Planung meines alten Ateliers in der Viale Romagna besonders deutlich herauskristallisiert hat: Da haben sich diese beiden Realitäten, die mich schon seit einiger Zeit interessierten, harmonisch miteinander verbunden.

Damals war ich ständig von der Ästhetik der Weltraumsatelliten und der großen Teleskope, die zur Beobachtung des Kosmos eingesetzt werden, fasziniert. Diese fast absichtslose, von Funktion und Technik bestimmte Ästhetik faszinierte mich so sehr, dass ich begann, eine Lampenserie zu entwerfen, die dem Weltraum, der Erforschung und den Planeten gewidmet war.

Zur gleichen Zeit wurden meine Gedanken auch von einer anderen Forschungsrichtung, der Kolonialzeit, beherrscht. Diese Zeit war eine große Inspirationsquelle, mit all ihren Nuancen in der Kunst, von der Malerei bis zur Architektur und der Herstellung von Alltagsgegenständen.

Zwei sehr unterschiedliche, vielleicht gegensätzliche Kulturen, die nur durch die Sehnsucht nach Eroberung verbunden sind, treffen aufeinander und lassen einen neuen Stil entstehen, den ich in einer manchmal bizarren, aber eleganten Mischung festhalte. So habe ich in meinem Atelier die Ästhetik der Raumfahrt und der Kolonialzeit kombiniert und eine neue Welt von einem anderen Planeten in einem retro-futuristischen Stil geschaffen.

Ihre Arbeit gliedert sich in zwei sich ergänzende Hauptbereiche: Innenarchitektur und Design von Möbelzubehör. Gibt es trotz ihrer Unterschiede etwas in Ihrem kreativen Prozess, das diese beiden Bereiche miteinander verbindet?

Ich habe schon immer über Objekte nachgedacht, die eng mit dem Raum verbunden sind, in dem sie platziert werden, so dass es mir schwer fällt, diese beiden Aspekte, die in meiner persönlichen Vision zusammenlaufen, zu trennen. Meine erste Annäherung an die Innenarchitektur war eine Reaktion auf ein Bedürfnis, nämlich Möbel für mein Zuhause zu entwerfen, und ich wollte, dass diese Stücke mit diesem spezifischen Interieur interagieren. Damals war ich Student und lebte in einer Mietwohnung. Trotzdem habe ich immer alle Räume nach diesem Prinzip der Harmonie und der Einheit zwischen Umgebung und Möbeln renoviert und eingerichtet.

2010 wurde Pietro Russo Design geboren: Ihr Atelier, in dem Sie zusammen mit einem Team von Handwerkern und Designern Objekte mit einem ikonischen und unnachahmlichen Stil herstellen. Die Lunar-Lampen sind ein Beispiel für Ihren stilistischen und kreativen Umgang mit Materialien. Wie wurden sie konzipiert?

Die Lunar-Kollektion entspringt meiner Leidenschaft für die Astrophysik und meinem Wunsch, die Realität auch jenseits der Grenzen des täglichen Lebens zu begreifen. Der Mond ist unser Satellit - der nächstgelegene und sichtbarste - mit dem wir aufgrund seiner Symbolik und Bedeutung am meisten verbunden sind... Man denke nur an all die Geschichten über den Mond. Wenn er mit Licht durchflutet wird, scheint Onyx diese magische, galaktische Welt hervorzurufen und einen ähnlichen Schimmer auszustrahlen wie der, mit dem uns unser Satellit jede Nacht und in jeder Situation verführt. So beschloss ich, diesen Zauber mit einer kleinen Mondlampe ins Haus zu holen.

Im Laufe Ihres Lebens hatten Sie die Gelegenheit, viel zu reisen, nicht nur in Italien - von Ihrem Geburtsort Apulien bis Florenz - sondern auch in Berlin und kürzlich in Mailand. Gibt es einen Ort, der Ihnen besonders am Herzen liegt und warum?

Ich bin ein Mensch, der sich gerne verändert, und jede Veränderung ging mit einer Wiedergeburt einher, die wiederum mit meinem Umzug verbunden war. In jeder Stadt hatte ich das Gefühl, als wäre ich dort geboren worden: In Florenz fühlte ich mich als Florentinerin, in Berlin als Berlinerin, und heute fühle ich mich in Mailand als Mailänderin. Berlin ist die Stadt, die mehr als jede andere meine kulturelle Achse und meine Sicht auf die Welt komplett verschoben hat, und gleichzeitig hat sie mich Italien und seinen Klassizismus noch mehr schätzen lassen, was ursprünglich der Grund für meinen Umzug war.

Im Laufe der Jahre war Ihr beruflicher Weg von mehreren Kooperationen geprägt. An welche erinnern Sie sich am liebsten und warum?

Die Zusammenarbeit mit Unternehmen ist immer eine große Herausforderung und eine Chance für Wachstum. Besonders gern erinnere ich mich an die Entstehung von Libelle, dem Bücherregal, das Baxter wenige Wochen vor dem Salone del Mobile in Auftrag gegeben hat. Als ich es zum ersten Mal sah, war ich sehr bewegt.

Die in der japanischen Kultur verwurzelte Wabi-Sabi-Philosophie basiert auf der Akzeptanz der Vergänglichkeit und Unvollkommenheit der Existenz. Wie hat dieses Konzept Ihre Arbeit beeinflusst?

Die Worte Wabi und Sabi stehen für zwei Visionen, die die westliche Kultur miteinander verschmolzen hat. Um sie zu verstehen, müssen wir ein Konzept begreifen, das eher mit unserer irrationalen als mit unserer rationalen Seite verbunden ist. Ich war schon immer von diesen beiden Konzepten fasziniert, auch bevor ich diesen Aspekt der japanischen Kultur entdeckte: Es ist fast so, als ob ich eine angeborene Neigung hätte. Auch das Kunsthandwerk umfasst bereits diesen Prozess, der mit einer perfekten Unvollkommenheit verbunden ist, die in der Vergänglichkeit wurzelt.

Wie schaffen Sie in einem Bereich, der Tradition mit Innovation und technologischen Prozessen verbinden muss, Kontinuität in der Welt des Handwerks?

Heutzutage besteht ein zunehmender Bedarf, die Produktion mit der Technologie zu verbinden, um bestimmte Funktionen auszuführen. Leider haben die technologischen Prozesse einen Großteil des Mehrwerts, der sich aus dem handwerklichen Können ergibt, zunichte gemacht und dem fertigen Produkt ein perfektes und kaltes Aussehen verliehen. Im Gegenteil, die Rolle des Handwerks muss wie in der Vergangenheit darin bestehen, dem Stück eine warme Ästhetik und eine einzigartige Note zu verleihen - pràxis und téchnē, Kunst und Geschicklichkeit -, während die Technologie diesen Prozess nur unterstützen sollte, damit er immer besser wird.